Filed under: Musique , Raymond Scott - posté par IJ Wilson le 8 Février, 2012 @ 19:35
C'est une folle proto-techno pour les bébés, de Raymond Scott en 1964 l'album "sons apaisants pour les bébés".
Scott avait été un chef d'orchestre jazz des années 30 et 40, dont la musique a été autorisé par Warner Bros et utilisé par Carl Stalling pour beaucoup, de nombreux dessins animés Looney Tunes, en particulier sa composition Powerhouse.
Après une carrière couronnée de succès à la télévision, il a commencé à inventer ses propres instruments, à venir avec l'Electronium pré-Moog, qui ses sons apaisants pour bébé a été composée sur.
Sa musique de jazz de cru a été re-présenté au public dans les années nonante, lorsque alt-enfants de bande dessinée créateur, John Kricfalusi utilisé la musique de Scott pour sa brillante Ren & Stimpy Show.
En parlant de John Kricfalusi, il a aussi utilisé la musique de la bibliothèque Capitol Music Production, dont certains avaient déjà paru dans La Nuit des images Ten of the Living Dead.
Filed under: John Carpenter , Musique - posté par IJ Wilson le 3 Septembre, 2011 @ 12:18
John Carpenter et Alan Howarth au travail sur Season of the Witch (de courtoisie analyse de Mike Conway)
L'intérêt croissant pour John Carpenter en tant que compositeur de musique électronique, et pas seulement un réalisateur de films d'horreur, semble avoir atteint un point critique en ce moment: sa musique est célébrée dans The Sound of Fear Festival à Londres ce week-end; plus tard question de fil le magazine propose une interview avec son partenaire de composer, Alan Howarth (qui apparaîtra à l'acoustique du festival Peur); et en français Zombie Zombie duo a sorti un album fin de l'année dernière a appelé "Zombie Zombie jeu de John Carpenter".
Un hardworker renommé, John Carpenter ne peut pas être conscients de la façon dont beaucoup d'impact qu'il a eu sur un nombre successif de générations de musiciens électroniques. Considéré dans la même ligue que Giorgio Moroder et Vangelis, dont les bandes sonores pour Midnight Express et de Blade Runner, respectivement, ont eu une vie qui leur est propre, Carpenter est souvent citée comme une source d'inspiration majeure par de nombreux musiciens électroniques.
Le véritable intérêt dans la musique de John Carpenter a commencé avec sa bande-son de son film sur 1976 Assault Cité-13. Pour le thème du titre, il a utilisé un simple riff électronique qu'il avait pincé d'une chanson de Led Zeppelin, et une ligne de percussion de rechange composé sur une machine à tambour, donnant au film une texture inhabituelle, un peu froid et synthétique, et antérieure à la nouvelle son -wave/industrial des groupes comme Throbbing Gristle et Coil.
Bien sûr, il a été le thème d'Halloween (et le film) qui l'a mis sur la carte, agissant comme une sorte de signal audio de substitution pour rien sinistre au cours des deux dernières décennies (avec le thème "The Twilight Zone et Tubular Bells" de la L'Exorciste).
Mais Carpenter avait aussi composé un certain nombre d'horreur exceptionnelle autres musiques - Le brouillard était incroyable, et qu'il était donc le score à la troisième "Halloween" film, Season of the Witch, même si elle n'était pas liée à l'original. Avec chaque film successif, il semblait aller plus loin dans la musique, et ses sons allongés - drones, et de larges notes de basse de flexion - joué avec des parties du cerveau rarement utilisé en dehors du sommeil.
La version Zombie Zombie de la thème de l'Halloween vivent à Glasgow
La musique de John Carpenter a commencé à être couverts par les groupes européens qui voulaient recréer ce qu'ils avaient entendu dans Assault on Precinct 13. Producteur allemand Ralf Hennings, comme The Band Splash a publié son propre 12 »de la« End Theme "en 1983, près de la hauteur de l'influence de John Carpenter sur le monde du cinéma.
Curieusement, en 2003 - vingt ans plus tard - une édition limitée de CDr est sorti, intitulé The Tribute européenne à John Carpenter, en utilisant la couleur de citrouille orange, même que la bande avait utilisé Splash. Il était une compilation de différents artistes électroniques de toute l'Europe, de couverture et de composer des titres dans son style, mais avec un penchant décidé dark wave. Ce fut à la hauteur du mouvement electroclash, où un intérêt pour les origines de la musique de danse électronique moderne, dans la new-wave, EBM, New York électro, et euro-pop (comme italo-disco) était en cours. Cet intérêt ont également acheté des synthétiseurs de retour dans la bande standard line-up, quelque chose qui n'avait pas vraiment été vu depuis les années quatre-vingt.
Un certain nombre de musiciens comme Legowelt Hollande, l'Allemagne, Anthony Rother et Booka Shade, et de l'Australie Midnight Juggernauts bande ont reconnu l'influence de Carpenter sur leur musique. Bien que Carpenter compose rarement de la musique pour des films maintenant - la charge de travail est tout simplement trop grande - il a laissé derrière lui un corpus considérable de la musique pour être apprécié.
La plupart de sa musique est toujours disponible. Outre les communiqués de grands Sarabande Varèse, étiquettes de niche comme Record Makers (la maison de Sebastian Tellier) a publié son Assault on Precinct 13 pour la première fois en 2003, tandis que La-La Land Records mis à Big Trouble in Little China quelques années en arrière .
Nitin Sawhney Live At The Roxy (photo gracieuseté de Parramasala par Jamie Williams / ICE)
DANS LE CADRE DE PARRAMASALA 2010 , un festival célébrant la culture sud-asiatique financé par Parramatta Conseil et le gouvernement NSW, le multi-talentueux compositeur britannique de Nitin Sawhney et sa bande de musiciens classiques indiens, ont été mis en évidence pour effectuer la bande originale du film muet indien, Un coup de dés . Durant son séjour, M. Nitin a donné une masterclass en musique de film et de la composition d'un groupe de musiciens de Sydney au Centre des arts numériques commutateur.
Nitin Sawhney est arrivé à la renommée internationale, lorsque lui et un groupe de d'autres artistes comme Talvin Singh, ont été identifiés dans les années nonante en retard comme faisant partie d'une scène musicale britannique en hausse connue sous le nom 'Asian Underground'. Mariant sons traditionnels indiens avec la musique de club, ils ont révélé un côté musical du Royaume-Uni qui, jusque-là, avait été en grande partie inconnu en dehors de la Grande-Bretagne.
Comme le temps passait, Nitin éloigné de la musique de club strictement dans le monde du jazz fusion et le film-notation, influencé par le guitariste de jazz John McLaughlin, qui avait voyagé en Inde dans les années soixante-dix pour étudier la musique indienne et de la spiritualité, et le compositeur du film Ennio Morricone, dont l'unique et dédié approche à la notation film doit avoir grandement appel à Sawhney.
Grandir dans une famille de musiciens, Nitin avait pris des leçons de piano classique et flamenco guitare, ainsi que l'apprentissage des instruments traditionnels indiens. Il a joué dans plusieurs bandes du punk au jazz au cours de ses années de formation, et après avoir connu une période d'incertitude dans la jeune vingtaine, il a finalement décidé de se concentrer toute son énergie dans la musique.
C'était une bonne décision. Au cours des quinze dernières années, il a sorti 8 albums, a marqué 40 films, et a travaillé sur d'innombrables projets avec d'autres musiciens, danseurs et artistes visuels. Il est aussi devenu une figure de haut niveau au Royaume-Uni, au sein de conseils consultatifs de musique, et en aidant à mettre en place des programmes pour les jeunes musiciens.
Une scène de Jungle Un coup de dés, un trésor des archives du British Film Institute de l'allemand Franz Osten réalisateur.
SELON NITIN, l'Inde a des systèmes les plus avancés rythmiques dans le monde. Il a décrit comment le jeu de jambes d'un danseur est en phase avec la percussion, en tenant la queue de la même voix - alors quand le chanteur parle, à la fois le danseur et le batteur savoir exactement quoi faire.
Il a également démontré à quel point il ya un système de 12 battements à la fois dans le flamenco et la musique classique indienne, et que l'un des styles de flamenco, le í Buler a, peut être facilement intégré avec des rythmes indiens. Comme tous les participants avaient été priés d'apporter leurs instruments, il a brisé la classe en deux groupes, et les fit partir et improviser sur ce système de 12 battements.
Quand il est venu à la musique de film, il a enseigné la classe qu'il était important de mettre l'accent sur la mélodie, plutôt que de surmener le côté harmonique de la composition - une harmonie qui peut tuer oversophisticated la mélodie.
Outre Morricone, il a également parlé de son appréciation pour la musique de Ravi Shankar pour le réalisateur indien Satyajit Ray, comment le sitar-joueur s'était assis et a improvisé pendant 12 heures d'affilée, à partir de laquelle le directeur peut choisir les meilleures pièces de son premier et film le plus célèbre, Pather Panchali.
Un agréable moment venu dans la classe, lorsque l'un des membres de la bande de Nitin, les Ashwin Srinivasan, qui avait été assis dans la rangée arrière pour la plupart de la session, a été en mesure d'emprunter un bansuri - une flûte traditionnelle indienne - de l'un des participants qui avait apporté une grande collection d'entre eux. Ashwin rejoint Nitin sur la scène, avec joueur de tabla, Aref Durvesh, pour effectuer une pièce mobile de la musique.
La seule déception, c'est que la classe n'a pas obtenu de jouer directement avec Nitin. Mais dans l'ensemble, c'était une grande opportunité, et très spéciale, qu'il a eu lieu dans les banlieues occidentales.
Bande-annonce pour Midnight Express (1978); dir.Alan Parker, le scénario d'Oliver Stone.
Basé sur l'histoire vraie de Billy Hayes, Midnight Express est un film énorme des années soixante-dix. Mettant en vedette Brad Davis, il était l'histoire d'un jeune Américain qui a été arrêté pour trafic de drogue en Turquie et condamné à 30 ans dans une prison sordide. Il a remporté deux Oscars et co-vedette John Hurt et Randy Quaid.
Bien que Oliver Stone, qui a écrit le scénario, plus tard, a regretté la façon dont lui et le réalisateur Alan Parker avait dépeint les autorités turques, Midnight Express encore mérité les éloges qu'il a reçus: Il était une histoire bien faite de la survie, isolement affectif, et les horreurs de la se perdre dans un système, où que ce soit.
Le film contient également des séquences de suspense grands: la scène d'ouverture de Billy qui essayaient de traverser les douanes turques avec des médicaments attachés à sa poitrine est douloureuse, comme c'est son dernier, l'évasion de la prison fatidique, s'articulant autour d'un geste.
Midnight Express a été aussi l'un de ces films où la musique reste autant d'une marque sur son auditoire que le film lui-même. Comme le thème de Vangelis à Gallipoli de Peter Weir, ou le Concerto de Varsovie de la Moonlight 1941 du film Dangerous, la bande originale de Midnight Express a été profondément émotionnel, avec deux thèmes distinctifs qui font écho tout au long du film.
Le premier était le «Theme from Midnight Express", une mélodie envoûtante qui repetitiously Moroder avait écrit sur un ordinateur et un organe klavier. Il est devenu l'un des thèmes les plus échantillonnés dans le hip-hop - là-haut avec Kraftwerk Trans-Europe Express et Good Times de Chic.
Le deuxième thème était «The Chase» qui a accompagné Billy comme il a couru à travers les ruelles de la Turquie, poursuivi par un Américain prime-chasseur. En raison de son tempo conduite, la durée de huit minutes et demi, et la mélodie accrocheuse, The Chase est devenu un énorme succès avec le milieu de la danse: Il était un excellent exemple de l'utilisation d'un filtre passe-haut (une fonction synthétiseur) pour construire la tension au fil du temps, une technique qui serait utilisée sur tout, de l'acide-techno à la danse commerciale pour les trente prochaines années.
Midnight Express a également été le premier long-métrage bande électronique afin de recevoir des critiques élogieuses, remportant à la fois d'un Oscar et un Golden Globe en 1978 pour la meilleure musique originale. À l'époque, Moroder était déjà célèbre pour son travail de pionnier avec Donna Summer (la création de la tristement célèbre «Bassline Moroder" sur I Feel Love) et ces prix n'ont fait que renforcer sa position dans l'industrie musicale, lui permettant de continuer à travailler comme un compositeur de film, ainsi que un producteur.
Ci-dessous: Giorgio Moroder Chase réalise en direct à la télévision allemande en 1979, avec son nouveau gagné Oscar (commence à 2.13).
